FESTIVAL CAMPECHE 2024

El trabajo en mural de Taty, busca revindicar el territorio como un espacio de cuidado mutuo y escenario protagonizado por el femenino. Sus piezas articulan gráficamente el cuerpo femenino y el territorio desde la manifestación de los ciclos, las propiedades de las plantas, la diversidad infinita de especies y la interrelación con el ecosistema. En esta pieza Taty propone a la mujer como el corazón del campo, rodeada por la exuberancia y la grandeza del cacao. Esta posición refleja cómo la mujer es el corazón palpitante del territorio, rodeada por la abundancia que ella misma ha cultivado. Los frutos que emergen de su cuerpo representan el resultado de su trabajo, dedicación y sacrificio, subrayando la vital importancia de la mujer en el ámbito agrícola y en la configuración del hogar y el territorio. Taty reconoce la capacidad de sentir del territorio, y la necesidad de mediar los procesos a través del amor, el cuidado, la paciencia y la delicadeza. En el trabajo de Taty se reconoce la vulnerabilidad y la sensibilidad como capacidades eminentes para los procesos de sanar con amor las heridas y por medio del arte.

En esta pieza Gavilán parte de la relevancia de la música en el legado territorial, donde la propone como testimonio de una memoria histórica, y como parte vital de la identidad cultural e idiosincrasia de un territorio. Para el artista las narraciones de la música campesina dan cuenta de las historias de sus habitantes, de las riquezas del paisaje, y la coyuntura de los hábitos culturales y las cotidianidades. Gavilán retoma el paisaje de la montaña uribense, y en su tradicional paleta de colores pasteles, evoca un atardecer haciendo uso de las veladuras. El personaje central trae instrumentos tradicionales a sus espaldas, y lo acompañan tres aves de la región mientras transita por este paisaje entonando una canción. El trabajo de Gavilán recoge experiencias visuales y sonoras, a través de personajes que caminan y se mimetizan con el entorno, transeúntes que viajan en medio de los sonidos nuevos y las músicas de antaño. Son personajes inspirados en la cotidianidad, habitantes de caminos y montañas, que recogen historias de los lugares y las personas en sus melodías. Estos son portadores de un legado territorial, que trasciende generaciones e implica un ejercicio de tradición oral por medio de la música, que respalda las narraciones y memorias de toda una comunidad.

En esta obra, Sabina retrata a una mujer con una mirada contemplativa, rodeada de aves. Sus ojos reflejan la serenidad del atardecer, mientras que su cabellera capta la esencia del aire y los vientos. El personaje femenino de Sabina se planta con firmeza y valentía, pero desde su sutil mirada promueve el respeto y el cuidado por las aves. En la región los colectivos juveniles promueven el cuidado y la conservación del medio ambiente, como estrategia para el desarrollo de oportunidades ocupacionales. La apropiación del conocimiento sobre aves, y la vinculación con la identidad local, no solo promueve la conservación de sus ecosistemas, sino que también expande el panorama de posibilidades de los jóvenes de la región. En este marco, la Escuela de Avistamiento de Uribe surge como una iniciativa clave, y el trabajo de Sabina, aunque de manera indirecta, resalta este espacio como un punto de encuentro crucial para potenciar los esfuerzos locales y mejorar la competitividad territorial. El trabajo de Sabina se caracteriza por la creación de personajes y paisajes cargados de simbolismo cultural, elementos que juegan un papel importante en la construcción de la identidad regional y en la conciencia sobre el territorio. Su uso de colores vibrantes y su estilo gráfico distintivo facilitan una interpretación más directa y accesible de las formas y los íconos representados.

En esta obra, Javier Ruiz presenta una composición que fusiona momentos de su experiencia vital a través de un collage profundamente simbólico. En el corazón de la pieza, un altar improvisado, formado por ladrillos y un mantel, sirve de refugio para una madre que acurruca a su hijo y a una mascota en un desierto árido. Esta imagen central evoca un sentido de protección y ternura en un entorno inhóspito, representando así el cuidado y la esperanza como fuerza frente a la adversidad. En la esquina superior de la obra, unos músicos relatan las historias campesinas bajo la luz de la noche, aludiendo a la tradición y narrativa oral de la música campesina de la región. Un lirio florece desde el corazón de una sábila en una matera hecha de llantas reutilizadas, simbolizando la renovación y la vida que emergen desde lugares inimaginables. Las velas rojas encendidas en otra esquina representan la esperanza y la persistencia, mientras que las cotizas desgastadas de bailar aluden a la resiliencia y la vitalidad que perduran a través del tiempo. En el fondo de la pieza, el hogar y la montaña que lo rodea se presentan como elementos protectores y estables, sugiriendo una conexión intrínseca entre el ser humano y la naturaleza. La montaña, en esta obra, actúa como un símbolo de provisión, protección y nutrición, resonando con la imagen tradicional de la Virgen en la iconografía católica colonial, donde la montaña era frecuentemente representada como un símbolo de seguridad y sacralidad. Pintada frente a la iglesia del municipio, la pieza de Ruiz dialoga de manera sincrética con la imagen religiosa, integrando la montaña como un símbolo de estabilidad y cuidado. Javier enriquece la escena con elementos que parecen acomodarse de manera natural en la composición, aunque su inclusión es el resultado de una reflexión profunda sobre su significado y su impacto emocional. La perspectiva onírica de la obra crea un espacio donde las imágenes, los objetos y los recuerdos se entrelazan, invitando a una contemplación que evoca nostalgia y un ambiente maternal lleno de afecto. Javier Ruiz nos ofrece una visión que rinde homenaje a la vida y la resiliencia, pero que también reflexiona sobre la memoria y la esperanza. Su collage es un recoge de manera majestuosa el vínculo entre lo sagrado, lo natural y lo cotidiano.

En esta pieza, los artistas Louisa Prada y Franklin Pianguaje se unen para destacar la profunda conexión entre la cultura y la naturaleza, utilizando esta relación como un mecanismo vital para la salvaguarda de las comunidades y los ecosistemas. La obra presenta una escena en la que dos especies de aves diferentes participan en un elaborado cortejo. Ambos pájaros despliegan sus plumajes vibrantes y llaman la atención del otro mediante el uso de objetos cotidianos y elementos naturales. En un momento efímero y lleno de simbolismo, un tucán y un turpial se encuentran en un intercambio significativo. El tucán, portando un morral con un chigüiro en el frente, lleva consigo el conocimiento y el entendimiento profundo. En contraste, el turpial, sostiene una flor, un símbolo de sutileza y humildad. Se aproxima con paciencia y respeto, buscando captar la atención del tucán para ofrecerle un presente. En la escena descansa un sombrero topochero, melancólico, colocado sobre una rama, mientras un atardecer enmarca el cortejo con su luz cálida. Este entorno evoca un escenario literario donde las aves no solo llevan consigo el conocimiento y la cultura, sino que también utilizan el arte como medio para establecer conexiones y conquistar. Esta representación subraya cómo el arte y la cultura se entrelazan con la naturaleza para crear una sinfonía visual y sonora, que celebra la riqueza de natural y cultural de la región

En esta pieza, el artista Felipe Mavesoy culmina un profundo proceso de reivindicación del territorio a través de su arte. La obra presenta un árbol imponente, cuyas raíces se hunden profundamente en la tierra, simbolizando no solo el vínculo inquebrantable con el paisaje, sino también el dolor que ha marcado tanto al artista como a su familia. Felipe Mavesoy utiliza esta pieza para conectar emocionalmente con el duelo de los habitantes del territorio, buscando transmitir un mensaje de esperanza y resiliencia: a pesar de la violencia y la pérdida, la vida siempre prevalecerá sobre la muerte. El arte, en este contexto, se convierte en un vehículo para sublimar las experiencias dolorosas y transformar el sufrimiento en una expresión estética que honra la memoria y promueve la sanación. La obra no es solo una creación individual, sino que también involucra la participación activa de los familiares del artista. Estos contribuyeron a la intervención pintando la finca familiar, un acto que revitaliza el recuerdo del hogar y abraza el dolor compartido. La finca y el hogar, ahora representados en la obra, se convierten en un espacio colectivo de memoria y reivindicación, recordando que la tierra labrada por sus ancestros está impregnada de una belleza que trasciende el sufrimiento. “Yo, nosotros” es una manifestación palpable de la reconciliación con el territorio, mediada por un lenguaje artístico que recoge de manera transversal la experiencia vivida. Esta pieza facilita una comprensión más profunda y matizada sobre la memoria y los hechos históricos, ofreciendo una nueva perspectiva sobre el pasado. Los jóvenes de la región, inspirados por esta obra, están llamados a escribir nuevas narrativas que construyan un futuro de paz y unidad. Así, la pieza de Mavesoy no solo preserva la memoria del pasado, sino que también abre un camino hacia la construcción de un territorio en el que la reconciliación y la esperanza puedan florecer.

En esta pieza, se rinde homenaje a la música campesina como pilar de la cultura e instrumento de reivindicación a través de los mecanismos de la tradición oral y la transmisión de saberes intergeneracional. Para los artistas la música campesina representa la victoria del arte sobre la muerta y la violencia en este territorio. La pieza utiliza el relato sonoro y la lírica para capturar y describir cotidianidades, hábitos, paisajes, personajes y episodios del pasado que contribuyen a una comprensión territorial más amplia y a una apropiación cultural de las nuevas generaciones de esta región. Es mediante la música que conocemos las historias de los ancestros y los relatos de origen de los habitantes y fundadores de la región. A través de sus melodías y letras, se preservan y transmiten las memorias de generaciones pasadas, fortaleciendo el vínculo entre el pasado y el presente. La pieza articula el estilo de estos dos artistas mediante la paleta de color y la compresión de la importancia de la tradición oral en la reivindicación de la memoria y la construcción de la paz a través del arte. La composición de la pieza yuxtapone dos momentos que se contradicen entre si: por un lado, el florecimiento del arte y la cultura, que se entrelazan con el territorio y celebran su riqueza; por otro lado, la devastación, la desaparición y la guerra que han asolado el mismo territorio. A través de esta pieza, los artistas proponen una visión en la que el arte se convierte en un mediador de paz. Al reconocer las verdades y experiencias de todos los involucrados, sugieren que recordar es una forma de vivir, y vivir en paz es un acto de recuperación y celebración de la identidad cultural. La obra invita a la reflexión sobre cómo la memoria y la cultura pueden ser herramientas poderosas para la reconciliación y la construcción de un futuro más armonioso.